艺术似乎总是在无止境地激发着设计师们的想像力。
从第一幅时装插画的诞生，到今天后现代风格的暗含隐喻的各色服装，整个20世纪中艺术与时装加强了交流，产生了真正的对话：服装成了引用艺术作品的借口，而艺术家则把时装纳入了他们的创作主题。服装因此而完全有了艺术作品的性质。服装师与艺术家已永远地联系在一起了，这是毋庸置疑的。
艺术家？设计师？
被Coco Chanel嫉妒地称为“裁衣服的意大利艺术家”的Elsa Schiaparelli，与超现实主义运动结盟，制造了时装形象的玩笑，推动普及了艺术与时装最激进的融合。一顶如小羊排的帽子，一串像阿司匹林药片的项链，一件用视错法绘制的泪珠图案的昂贵晚装……所有这些均出自这位特立独行的女艺术家之手。她继承了波烈对色彩、面料的热爱，又增添了较女性化的装饰，以及她所喜爱的戏剧性、异国情调的想象力，形成她特有的古怪的幽默感。
安迪·霍尔华(Andy Warhol)是流行艺术最具代表性的大师。这位捷克籍的美国艺术家以可口可乐、速食罐头等题材的作品而闻名，之后他又将电影明星和名流要人作为作画的对象。其中最为人熟知的就是1962年创作的“玛丽莲·梦露”。上世纪20年代以来，还没有一位艺术家如他那样对时装界有如此巨大的影响。Warhol在电影、时装和艺术三个领域间来去自如。他的丰富想象对整个60年代的纽约名人都很有启发。他尝试用纸、塑胶和人造皮做衣服，色彩艳丽，上面印有受波普艺术影响，俗艳眩目的花纹。这就是Warhol，他把服装当作艺术来实验，用他别具一格的波普艺术图案来设计服装。他的实验为其他设计师留下了一笔遗产。
高级时装的艺术幻觉
高级时装业的艺术幻觉并不是异想天开。试想，当你看到在如博物馆一般充满艺术气息的环境中，一双鞋子或者一只手袋像艺术品一样被陈列在那里，而他们的价格也确实和艺术品一样昂贵时，你怎么还能觉得自己仅仅置身于一家商店，你仅仅是在购物呢？统统称之为艺术吧！希望用昂贵的艺术观念来铺设通向高额销售之路，成了高级品牌的共同理想。
LV与日本的漫画家合作，设计出美丽、可爱的卡通图案。三宅一生邀请到弗兰克·盖瑞为他设计三层楼的新店TriBeCa，意大利品牌Marni求助于设计公司“未来系统”，而Helmut Lang则为了它的新香水店找来了观念艺术家珍尼·霍泽尔(Jenny Holz-er)……
“不要让我得到我需要的”——1985年某天出现在纽约时代广场的这块巨大的电子广告牌是美国观念艺术家珍妮·霍泽尔的著名作品。在公共场所用强制性的文字让人们体验文字的力量和权威，是她惯用的艺术手段。如果说空间是所有一切中最奢侈的东西，那么HelmutLang在纽约的新香水店可以说是这种观念的最佳体现。在几乎空荡荡的店内空间里只有一个柜台，里面放着寥寥几瓶科隆香水。此外就是由珍妮·霍泽尔专为Helmut Lang设计的一个发光二极管装置，和一首不断在墙上翻滚着的诗：
“我走进来。我看见你。我注视着你。我等待着你。我呼吸着你。你的味道留在我的皮肤上。”
缪西娅·普拉达（Muccia Prada）从1999年7月起就开始委托古赫斯设计纽约、洛杉矶和旧金山三家新店，它们相继于2001年末、2002年和2003年开业。如今著名的普拉达夫妇整天泡在古赫斯的办公室里，而古赫斯对普拉达品牌的评价是“Nike在大空间才是大品牌，Prada在小空间也能是大品牌”。
高级时装店心甘情愿地爱上了艺术家。
当一双鞋子像艺术品一样被陈列在那里，你还仅仅是在购物吗？
橱窗同样提供艺术的享受。
艺术幻觉无处不在。